Apol·lo i Dafne. - Gian Lorenzo Bernini

Fitxa tècnica:

Títol: Apol·lo i Dafne

Autor: Gian Lorenzo Bernini

Cronologia: 1622-1624, segle XVII

Estil: Barroc

Material: Marbre

Ubicació: Galeria Borghese, Roma

Context històric:

Després de l'anàlisi anterior podem concloure amb que ens trobem davant l'escultura "Apol·lo i Dafne" de Bernini (1598 - 1680) realitzada entre 1622 i 1625 i que pertany a l'Barroc italià. Aquesta obra, de tema mitològic, es caracteritza per la seva gran tractament de l'marbre, la seva composició oberta amb diagonals i corbes i el seu dinamisme.

El barroc es desenvolupa durant el segle XVII una època de nombrosos conflictes i guerres de religió a Europa entre catòlics (França, Espanya i Itàlia) i protestants (Anglaterra i Holanda), amb grans diferències també a la base socioeconòmica basada en el estamental i en la centralització de el poder al rei en el cas dels primers, i una estructura capitalista i burgesa en els països protestants.

Pel que fa a l'art, es rebutjaran els criteris renaixentistes d'harmonia i raó, imposant-se així el moviment, l'emocional i el òptic. Especialment en els països catòlics, els artistes es posaran a l'servei dels grans poders emergents, l'església i el rei, de manera que moltes obres tindran una clara funció propagandística, predominant els temes religiosos després de la Contrareforma.

Pel que fa a l'escultura, tot i el predomini dels temes religiosos també apareixeran referències mitològiques.

Anàlisi formal:

Bernini utilitza el marbre amb gran virtuosisme, apreciable en el realisme de l'anatomia dels personatges, així com en els detalls florals. El modelatge d'aquesta escultura provoca que la llum creï una ambient dramàtic a l'impactar sobre ella, creant el clarobscur tan comú de l'art barroc. Bernini introdueix una composició oberta i dinàmica, conferint així mateix un caràcter de certa inestabilitat.

Aquesta obra va ser comprada pel Cardenal Scipione Borghese a l'agost de 1622 per adornar la vila de Porta Pinciana, finalitzant-a l'abril de 1624. En aquesta obra va col·laborar Giuliano Finelli, deixeble de Bernini, esculpint la part de l'fullatge. La justificació de l'cardenal per a l'encàrrec d'aquesta obra tan pagana, va ser un dístic moral, compost en llatí pel Cardenal Maffeo Barberini (futur Papa Urbà VIII), i gravat en l'adorn de la base. Aquest resa: "Qui estima seguir les fugisseres formes de la diversió, a la fi troba fulles i baies amargues a la mà".

Simbolisme:

Aquest grup escultòric representa una escena mitològica pertanyent a la "Metamorfosi" d'Ovidi. La història comença amb una competició de llançament de fletxes, en la qual es van enfrontar el déu Apol·lo i i el déu Eros. El déu Eros, irritat per l'arrogància d'Apol·lo, i tractant-se d'el déu de l'amor, decideix venjar-se llançant una fletxa d'or a Apol·lo, causant-li un enamorament immediat sobre la nimfa; en canvi, Dafne rep una fletxa de plata, provocant-hi el rebuig i el pànic.

Apol·lo, desbordant de passió, intenta atrapar Dafne, però la nimfa demanarà ajuda al seu pare, un déu del riu, que decideix finalment convertir-la en un arbre de llorer. Quan Apol·lo va aconseguir a la nimfa convertida ara en arbre, es va posar a plorar i va proclamar les següents paraules:

"Ja que no pots ser la meva dona, seràs el meu arbre predilecte, i els teus fulles, coronaran els caps de les persones en senyal de victòria".

En aquest mite convergeixen la virtut i la luxúria, simbolitzant l'acte de la nimfa un sacrifici, una acció de castedat eterna. L'obra capta el moment en què Apol·lo arriba a la nimfa, però aquesta ja es troba en el procés de metamorfosi.

Aquesta escultura exempta pot ser observada des de diferents punts de vista, podent apreciar les diferents expressions dels personatges, així com els detalls que envolten les figures. Dafne es torna horroritzada cap a la mà d'Apol·lo que la subjecta, sent aliè de l'canvi que el seu cos està patint. Apol·lo és representat sent sorprès per la transformació de la seva estimada; en canvi, el seu cos encara continua subjectant. L'obra està inspirada a més en escultures hel·lenístiques, com l'Apolo Belvedere de Leocares, o el Laocoont i els seus fills.

Model e influències:

Prevalen els efectes de clarobscur i dramatisme presos de les escultures hel·lenístiques, inspirant-se també a l'Apolo Belvedere de Leocares o el Laocoont, i, per la seva temàtica, demostra el gust pels temes mitològics que havien renascut a Itàlia a partir de l'Quattocento.